Comics più amati di tutti i tempi: 10 classici che tutti conoscono
Le storie a fumetti continuano a essere un medium spesso sottovalutato, pur avendo generato franchise diventate famosissime. Alcuni titoli, però, sono riusciti a superare l’indifferenza culturale e a costruire un consenso trasversale: lettori di età diverse, appassionati e nuovi curiosi finiscono per riconoscere in queste opere qualcosa di autentico, memorabile e “universale”. La selezione qui proposta raccoglie fumetti e graphic novel particolarmente amati, distinguendosi per impatto narrativo, qualità artistica e capacità di lasciare un segno.
La scelta esclude strisce comiche come Garfield e Calvin and Hobbes, oltre a bandes dessinées europee e manga, perché considerati troppo specifici o meritevoli di classifiche autonome. L’obiettivo è individuare opere che ottengono grande affetto da chi le legge.
all-star superman: 2005-2008
creato da grant morrison e frank quitely
All-Star Superman è presentato come il caso più “ovvio”: uno dei fumetti di supereroi più amati di sempre. Grant Morrison riprende il mito di Superman, collegando passato e presente della continuity, e costruisce una struttura che richiama le dodici fatiche di Ercole. Il risultato punta su un personaggio reso senza riserve: la forza e l’intelligenza restano centrali, ma la componente decisiva è la gentilezza mostrata come tratto costante.
Un momento diventato iconico è quello di All-Star Superman #10, in cui Superman interviene per impedire il suicidio di una giovane donna. Per molti lettori si tratta del più grande episodio nel genere dei supereroi; alcuni attribuiscono alla scena anche un valore personale, collegato alla propria sopravvivenza.
saga: 2012-ongoing
creato da brian k. vaughan e fiona staples
Saga viene descritta come la storia di vita di una ragazza, nata da disertori innamorati schierati su fronti opposti in una guerra che attraversa l’intera galassia. La serie è nota per colpi di scena inaspettati, compresi decessi rilevanti e salti temporali capaci di cambiare la prospettiva narrativa.
Dal punto di vista visivo e strutturale, viene indicata come un’opera affascinante e soddisfacente anche sul piano dell’approccio ai personaggi: figure profonde, imperfette e credibili. L’attenzione mediatica è arrivata anche per un episodio particolare legato alla copertina del primo volume, in cui la protagonista Hazel appare mentre allatta. In diverse circostanze alcuni rivenditori hanno rifiutato l’esposizione del materiale.
understanding comics: the invisible art: 1993
creato da scott mccloud
Understanding Comics: The Invisible Art è indicato come un testo fondamentale, capace di spiegare la teoria e la storia dell’arte sequenziale. Il libro viene presentato come un punto di riferimento per chi vuole comprendere il linguaggio dei fumetti: non si limita a fornire nozioni, ma accompagna i lettori fino alla conclusione, rendendo evidenti il ruolo delle immagini nella vita quotidiana.
La scrittura di McCloud sfrutta il medium in modo diretto: passaggi tra infografiche rigorose e momenti più immaginativi, con ogni lezione costruita anche come esempio autonomo. L’opera è descritta come un’esperienza piacevole e al tempo stesso ricca di “segreti” sul funzionamento del fumetto.
love and rockets: 1982-ongoing
creato da gilbert hernández, jaime hernández e mario hernández
Love and Rockets viene definito come qualcosa di non paragonabile a standard più comuni. La serie presenta un universo condiviso in cui i creatori- fratelli rappresentano diversi personaggi che invecchiano nel tempo in modo realistico. Le storie ruotano attorno a Palomar, villaggio dell’America Centrale, e a un gruppo di amici dell’area meridionale della California, con temi di slice of life intrecciati a uno scenario di fantascienza e realismo magico.
L’opera viene citata anche per il ruolo nella narrativa: da un lato anticipa forme moderne di webcomic attraverso una gestione lunga e radicata del racconto; dall’altro evolve col passare dei decenni, diventando uno studio dei personaggi capace di maturare insieme alle visioni dei creatori.
something is killing the children: 2019-ongoing
creato da james tynion iv e werther dell’edera
Something Is Killing the Children è ambientato in un mondo in cui mostri misteriosi consumano periodicamente i bambini restando invisibili e sconosciuti agli adulti. La trama segue Erica Slaughter, cacciatrice itinerante di creature, impegnata a rintracciare e fermare le stragi infantili. A sua compagnia vi è un peluche parlante.
Il fumetto viene indicato come uno dei più riusciti nel comparto creator-owned di tutti i tempi. La grande popolarità ha portato all’espansione in un universo condiviso, esplorato anche in opere come House of Slaughter e nel romanzo Hope Is a Knife. Sono inoltre citate adattamenti live-action e animati previsti per il futuro.
hellboy: 1994-ongoing
creato da mike mignola e john byrne
Hellboy viene descritto come una saga da amare davvero, non soltanto da apprezzare. Il fumetto inserisce un eroe pragmatico e “senza fronzoli” in un mondo dominato da folklore seducente e nebuloso, permettendo a entrambi gli elementi di valorizzarsi. Le qualità artistiche di Mignola sono considerate decisive: la composizione delle pagine è definita tra le migliori del settore e rende la lettura vicina all’esperienza di un’antologia di racconti inquietanti.
La parte più nota della produzione viene collegata all’inizio della serie, con Hellboy: Seed of Destruction che apre a decenni di storie e all’idea di un intero universo di spin-off. Tra le opere citate:
- b.p.r.d. (procedural in chiave “freaky”)
- sir edward grey, witchfinder
- lobster johnson
bone: 1991-2004
creato da jeff smith
Bone è presentato come un incontro riuscito tra due premesse molto diverse: l’idea “cosa accadrebbe se i personaggi di Looney Tunes venissero catapultati nel mondo di Lord of the Rings”. La serie, però, evita di far prevalere un universo sull’altro. I protagonisti, in particolare Fone Bone e i suoi compagni, diventano “sentinelle dell’innocenza” in un contesto che richiede davvero degli eroi.
Il tono comico non è descritto solo come sollievo: diventa anche un modo per mantenere vivi i legami con quella purezza portata dal gruppo, mentre un male crescente minaccia di assorbire un mondo appena scoperto. L’opera risulta inoltre tra i fumetti più celebrati: vengono riportati dieci eisner awards e undici harvey awards ottenuti durante la pubblicazione.
watchmen: 1986-1987
creato da alan moore e dave gibbons
Watchmen viene considerato un punto di svolta per l’industria dei fumetti, soprattutto per come ha cambiato le aspettative sul genere. Il racconto è descritto come un cupo whodunnit ambientato in un mondo in cui gli avventurieri mascherati sono stati esclusi dalla vita pubblica.
La storia viene letta anche come critica feroce alla narrativa dei supereroi: il nucleo non riguarda soltanto le azioni di un singolo individuo, ma il fatto stesso che la sua esistenza porti il mondo vicino alla guerra nucleare. L’opera resta un riferimento storico e culturale, con uno stile di scrittura denso e umano e un’arte che richiama un nostalgico “retro-futuro” mai realizzato.
batman: year one
creato da frank miller e david mazzucchelli
Batman: Year One è legato alla natura elastica del personaggio. Batman può convivere con toni lontani tra loro, dalla versione televisiva anni ’60 fino a una narrazione più cupa e psicologica come quella di Arkham Asylum: A Serious House on Serious Earth. In mezzo a queste estremità, il cuore del personaggio viene identificato in Year One.
La storia segue il primo anno di Bruce Wayne in costume, con una voce narrante spietata e auto-critica che contrasta la leggenda urbana che intende costruire. Il racconto è definito essenzialmente noir: Gotham diventa un luogo reale, fatto di strade illuminate al neon e vicoli pieni di pericoli. Sul piano dell’impatto, viene sottolineato come le trasposizioni su schermo abbiano faticato a restituire lo stesso “spirito”, mentre l’arte di Mazzucchelli insieme a quella di Richmond Lewis viene indicata come un esempio di cosa il fumetto possa fare in modo difficilmente replicabile in altri media.
maus: a survivor’s tale: 1991
creato da art spiegelman
Maus: A Survivor’s Tale viene descritto come una quasi-autobiografia che rielabora le interviste di Spiegelman al padre Valdek: vengono raccolte esperienze legate all’Olocausto e, allo stesso tempo, emerge il legame complesso tra padre e figlio. La dimensione è profondamente personale e al tempo stesso molto riconoscibile, con un focus su esperienza, memoria e conseguenze di un genocidio.
La scelta di rappresentare gli esseri umani come animali è citata come elemento che contribuisce a effetti molteplici. L’opera, nonostante ciò, ha continuato a essere oggetto di tentativi di censura o divieti, collegati a violenza, volgarità e alla presenza di nudità minime. Proprio per queste ragioni, rimane una presenza costante nel dibattito pubblico sin dalla prima pubblicazione.
Questa selezione riunisce dieci fumetti considerati tra i più amati di sempre. Le scelte sono mosse dal riconoscimento della loro ricezione trasversale e dalla capacità di conquistare lettori diversi per gusti e background.