10 anime di successo solo stile senza trama da non perdere
Il panorama degli anime è spesso caratterizzato da produzioni che si distinguono per estremo coinvolgimento visivo, sound design sofisticato e animazioni di alto livello. In molte occasioni, la qualità narrativa non riesce a elevarsi allo stesso livello, offrendo lavori che, nonostante il successo estetico, mostrano limiti significativi in termini di sviluppo della trama e dei personaggi.
Questi titoli, pur rimanendo impressivi per certi momenti iconici o tecnicamente all’avanguardia, tendono a perdere la loro forza una volta che l’effetto spettacolare si affievolisce. La presente analisi si propone di evidenziare come la prevalenza dello stile a discapito delle sostanze narrative abbia spesso portato a produzioni che, anche se memorabili alla vista, risultano prive di una reale profondità emotiva o di coerenza di fondo.
10. Bubble
Realizzato da Wit Studio in collaborazione con il regista Tetsuro Araki, Bubble avrebbe dovuto rappresentare un nuovo capolavoro dell’animazione moderna. La pellicola propone un’ambientazione futuristica di Tokyo sospesa tra bolle e sequenze di parkour mozzafiato, accompagnate da un uso magistrale del colore e animazioni fluide e dinamiche.
Al centro della narrazione troviamo Hibiki, un giovane talentuoso del parkour che possiede sensi sorprendenti, legati a un mondo che si percepisce quasi vivo grazie alle tecniche digitali all’avanguardia. Una volta lasciata da parte l’attrattiva visiva, la storia si rivela insipida, ripiegando su una trasposizione poco originale di La Sirenetta, priva di reale profondità e con dialoghi spesso pesantemente didascalici, che rendono il racconto poco coerente e superficiale.
9. Charlotte
Il serial Charlotte nasce con grandi promesse, sostenuto dal pedigree del team Key e dallo sceneggiatore Jun Maeda, presentando un’idea interessante di adolescenti con poteri sovrumani imperfetti. Le prime puntate si distinguono per leggerezza e una buona mescolanza di comicità e dramma, con elementi visivi e musicali di elevato livello che alimentano l’immaginario degli spettatori.
Purtroppo, ciò che doveva essere un racconto epico si trasforma in una serie dal ritmo disastroso, con un secondo periodo narrativo di approfondimento che si riduce in uno sforzo vanificato di condensare una complessa evoluzione globale in pochi episodi. La conclusione, troppo affrettata, lascia un senso di incompiutezza e delusione, privando la narrazione di quella risonanza emotiva che si aspettava.
8. Vampire Knight
Vampire Knight si presenta come un classico esempio di estetica gotica, grazie alla direzione artistica di Kiyoko Sayama, che crea un’atmosfera intrisa di mistero e seduzione attraverso ambientazioni eleganti e scelte stilistiche raffinate. La serie rappresenta un mondo in cui vampiri e umani convivono in un’accattivante ambientazione scolastica, molto apprezzata per le sequenze visivamente suggestive e il tono melodrammatico che pervade tutto il racconto.
Nonostante l’apparente fascino delle immagini e il parziale coinvolgimento emotivo suscitato dall’estetica, la trama si rivela presto un ammasso di canovacci confusi, con sviluppi eccessivamente prevedibili e colpi di scena senza fondamento reale. La narrazione si dilaga in continue contraddizioni e persistenti elementi disturbanti, tra cui alcuni sottotesti di natura incestuosa che hanno sollevato polemiche, creando così un rapporto ambiguo e spesso disturbante con il pubblico.
7. Big Order
Brano visivamente subito riconoscibile, Big Order, del creatore di The Future Diary, si presenta come un prodotto dall’estetica aggressiva e grintosa, con design di personaggi caratterizzati da linee decise e poteri che si sviluppano in modo caotico e spesso sproporzionato rispetto alla narrazione.
Il risultato finale è un disastro narrativo, dove le idee innovative vengono sconfitte da una sceneggiatura disorganizzata, che trascina i personaggi e il pubblico in un turbine di eventi incomprensibili e di rapido susseguirsi. La mancanza di un vero e proprio filo conduttore trasforma questa serie in un quadro visivamente rumoroso ma povero di contenuto e di pathos reale, culminando in un finale che lascia più confusione che soddisfazione.
6. Valvrave the Liberator
Prodotto da Sunrise, Valvrave the Liberator si fa conoscere come uno dei più spettacolari anime di fantascienza, con battaglie spaziali impressionanti e sequenze d’azione claustrofobiche. La narrazione si svolge coinvolgendo vari studenti coinvolti in un conflitto interstellare, con un protagonista che diventa il pilota dell’unità sperimentale Valvrave, dando il via a scontri crescenti di alto impatto visivo.
Malgrado la cura nella produzione, la trama si mostra confusa e discontinua: i molteplici fili narrativi si sovrappongono senza una reale direzione, con rivelazioni che arrivano senza un’adeguata preparazione e personaggi che spesso risultano bidimensionali. La serie, che poteva essere un vero e proprio blockbuster, si perde in un intrico di eventi poco approfonditi, lasciando un’impressione di spettacolo sprecato.
5. Glasslip
Diretto da Junji Nishimura, Glasslip si fa notare per la sua incredibile attenzione ai dettagli artistici e la raffinata realizzazione dei fondali: l’ambientazione di Hinodehama, un tranquillo paese di mare, viene rappresentata con uno stile fotorealistico che induce un senso di relax e quotidianità.
La narrazione si rivela scarsamente funzionale: la trama di base, che ruota attorno alla relazione tra Toko Fukami e il transfer student Kakeru Okikura, non si sviluppa mai realmente e introduce elementi sovrannaturali che finiscono per essere inutilizzati. La serie è dominata da dialoghi lunghi e privi di significato, che rendono difficile invogliare a un coinvolgimento emotivo, lasciando gli spettatori in attesa di una svolta che non arriverà mai.
4. Hand Shakers
Prodotto da GoHands, Hand Shakers rappresenta uno degli esempi più estremi di sperimentazione visiva, con un utilizzo massiccio di colori saturi, movimenti di camera estremi e filtri che inquadrano ogni scena come un’esercitazione di stile fine a sé stessa.
Questo approccio, messo in atto con l’intento di spingere i confini dell’animazione, si traduce spesso in un “caos visivo” che può causare gravi fastidi come vertigini o senso di nausea. La storia di sfondo, riguardante due partner che combattono per desideri attraverso il gesto di tenersi per mano, si mostra invece povera di originalità, con dialoghi poco ispirati e personaggi bidimensionali. La narrazione si perde tra sequenze confuse e ripetitive, risultando più difficile da seguire che coinvolgente.
3. Aldnoah.Zero
Con una produzione di alto livello firmata da Gen Urobuchi, musiche di Hiroyuki Sawano e animation di A-1 Pictures, Aldnoah.Zero si presenta come un’opera che si sarebbe potuta consacrare tra i capolavori del genere mecha. La prima puntata presenta spettacolari sequenze di invasione che restano impresse, creando un’atmosfera di grande impatto e tensione.
Purtroppo, il suo grande potenziale si sgretola rapidamente: la narrazione diventa monotona e priva di sussulti emotivi, con personaggi piatti e poco approfonditi, come Inaho, che vince ogni battaglia senza alcuna reale tensione. Le questioni politiche e i conflitti globali vengono trattati in modo superficiale, lasciando spazio a scene di battaglia spettacolari ma poco sostanziose, che finiscono per appesantire un racconto altrimenti promettente.
2. Kabaneri of the Iron Fortress
Marketato come il seguito ideale di Attack on Titan, Kabaneri of the Iron Fortress si immerge in un mondo devastato da creature simil-undead chiamate Kabane, presentando un design retro e molto curato. Il livello estetico si distingue per un maquillage, luci e zombie che creano ambientazioni estremamente suggestive e coinvolgenti, abbinate a sequenze d’azione esaltanti.
Nonostante tutto, la sceneggiatura scivola in una seconda metà molto povera, dove l’introduzione di Biba trasforma la narrazione in un meccanismo stereotipato di melodramma e battaglie superflue. La storia perde di coesione e si concentra più sullo spettacolo visivo che sul racconto di una vera sopravvivenza, lasciando il pubblico insoddisfatto di fronte a un potenziale smarrito tra superficialità e ritmo frettoloso.
1. Guilty Crown
Al primo posto si colloca Guilty Crown, noto come il lavoro più visivamente spettacolare del decennio, con design di personaggi firmati da Redjuice di altissima qualità e animazioni che sono considerate tra le più cinematografiche in assoluto. La serie si ambienta in un futuro distopico con ambientazioni molto curate e un mood drammatico-melodrammatico che avrebbe dovuto proiettare il titolo tra i grandi classici.
Nonostante l’aspetto esteriore da capolavoro, la narrazione si sfascia in modo clamoroso: il protagonista Shu, caratterizzato da una personalità fra le più irritanti e incoerenti, si perde in una trama piena di buchi e situazioni ingarbugliate, che tentano di emulare successi passati come Code Geass e Evangelion, senza capirne realmente i meccanismi. La conclusione si rivela un pasticcio confuso e privo di emozione, rendendo un’opera che poteva essere un capolavoro un fallimento totale in termini di contenuti.
Personalità, stile e contenuto si scontrano duramente, facendo di Guilty Crown il simbolo di come una produzione possa essere visivamente impressionante e profondamente fallimentare come racconto.
- Inori Yuzuriha
- Souta Tamadate
- Kanono Kusama
- Shu Ouma
- Haruto Tokishima
- Kakeru Okikura
- Yuki, Kaname e Zero
- Eiji Hoshimiya
- Attori e collaboratori di produzione